资源介绍
“威利 - 布莱克威尔艺术史指南系列” 汇聚国际知名学者团队，既探讨艺术史传统分支领域的研究现状，也关注更具创新性的主题架构，代表该领域顶尖学术水平，为艺术史提供权威、前沿的综合论述。除本书外，该系列还涵盖《1945 年以来当代艺术指南》《中世纪艺术指南》《亚洲艺术与建筑指南》等，另有多部聚焦英国艺术、非洲现代艺术、中国艺术等领域的指南计划出版。
二、内容架构与核心主题
本书共收录 28 篇全新撰写的论文，按 “艺术创作与传播的完整流程” 分为五个主题部分，兼顾地域多样性（涵盖意大利、荷兰、西班牙、法国、德国及拉丁美洲殖民地）与媒介丰富性（绘画、雕塑、建筑、挂毯、版画、素描等），既适合高年级本科生与初入研究生阶段的学习者，也可作为学者的参考资料。
（一）第一部分：艺术创作的社会历史背景
该部分聚焦影响艺术创作的文化与经济力量，共 6 篇论文，核心探讨赞助人、宗教、性别、地域交流及全球视野对艺术的塑造。
艺术赞助分类：谢丽尔・E・赖斯（Sheryl E. Reiss）的《文艺复兴时期意大利艺术赞助的分类》，剖析意大利文艺复兴时期不同类型的赞助人（团体、富裕个人与家族、宫廷及教廷赞助人等），探讨赞助人与艺术家的共生关系、赞助动机及艺术品开放市场的存在。
宗教与艺术：雪莱・佩洛夫（Shelley Perlove）的《早期现代欧洲的犹太教与艺术：犹太人与基督徒的相遇》，以荷兰共和国为核心，分析为犹太人创作或由犹太人创作的艺术、诋毁犹太人的恶意图像，以及与当代及古代犹太教相关的基督教艺术；朱莉娅・I・米勒（Julia I. Miller）的《中世纪晚期与文艺复兴时期意大利的宗教、政治与艺术》，追溯 13 至 16 世纪意大利宗教艺术如何随民众信仰与政治变化而演变。
性别与视觉艺术：詹姆斯・M・萨斯洛（James M. Saslow）的《欲望之眼：性别、性取向与视觉艺术》，考察当时社会对男女身份行为的主流规范及对其的挑战，如性少数群体的可见度提升、古希腊罗马社会模式对同性倾向的影响等。
地域与全球交流：艾米・戈拉尼（Amy Golahny）的《意大利与北方艺术：1400-1700 年的交流、评论接受与身份认同》，从国际视角分析意大利与北欧艺术家的交流，探讨文化借鉴、赞助差异、艺术秩序构建方式及艺术竞争；拉里・西尔弗（Larry Silver）的《欧洲的全球视野》，以哥伦布发现美洲 500 周年为背景，探讨欧洲通过贸易、布道与殖民扩张，与全球其他文化产生的相互影响。
（二）第二部分：艺术家：创作过程与社会地位
该部分将焦点转向艺术家，探讨 14 至 17 世纪艺术家社会与知识地位的转变及创作方法的内在心理层面，共 5 篇论文。
艺术家作为天才：威廉・E・华莱士（William E. Wallace）的《作为天才的艺术家》，追溯艺术家从工匠到天才的地位提升，从 13 世纪尼古拉・皮萨诺与乔瓦尼・皮萨诺，到 17 世纪贝尔尼尼、鲁本斯、委拉斯开兹等获封贵族的宫廷艺术家，展现 “全能天才” 概念的兴起。
创作过程与自我表达：玛丽・瓦卡罗（Mary Vaccaro）的《意大利文艺复兴时期的素描》，介绍素描这一因纸张普及而发展的媒介，解析其材料、技法、功能及在艺术创作 “创意” 理念发展中的关键作用；H・佩里・查普曼（H. Perry Chapman）的《1400-1700 年的自画像》，聚焦北欧自画像的兴起，分析艺术家创作自画像的动机及这种 “自我塑造” 对早期现代艺术家观念的影响。
雕塑家与女性艺术家：埃莉诺・M・里希特（Elinor M. Richter）的《重塑意大利雕塑家的角色》，探讨意大利雕塑家摆脱家族作坊与行会束缚，雕塑作为 “自由艺术” 地位提升的过程；芭贝特・博恩（Babette Bohn）的《从矛盾到阳刚画笔：早期现代欧洲的女性艺术家》，聚焦 16 世纪女性艺术家突破性别限制进入公共艺术领域的现象，以意大利与荷兰女性画家为核心，分析其创作环境与艺术创新。
（三）第三部分：艺术作品：作为物质文化的艺术
该部分从创作者转向艺术作品本身，探讨艺术生产的材料与方法，涉及经济、科学与技术维度，共 5 篇论文。
印刷术与大众传媒：艾莉森・G・斯图尔特（Alison G. Stewart）的《大众传媒的诞生：早期现代欧洲的版画创作》，介绍 1400 年左右兴起的版画艺术，解析其技法、风格、主题及对社会政治的影响。
日常与奢华艺术：杰奎琳・玛丽・穆萨基奥（Jacqueline Marie Musacchio）的《意大利及其他地区家庭生活的物质文化》，聚焦早期现代欧洲家庭日常与仪式相关的物品（以富裕佛罗伦萨家庭为核心），揭示家庭生活特征及女性生活体验；科恩拉德・布罗森斯（Koenraad Brosens）的《挂毯：奢华艺术与协作产业》，探讨挂毯这一耗时昂贵的艺术形式，分析艺术家设计师与熟练工匠在大型工坊中的协作。
科学与艺术保护：艾琳・里夫斯（Eileen Reeves）的《新科学与视觉艺术》，阐述 16 至 17 世纪科学发现（如数学透视、解剖学认知、开普勒与伽利略的宇宙学发现）对艺术的影响；克莱尔・巴里（Claire Barry）的《洞悉文艺复兴与巴洛克绘画：案例研究》，介绍科学技术与保护方法对研究该时期绘画的突破性贡献，如技术分析如何拓展对画作创作过程的认知及修复技术如何减少时光对艺术品的损害。
（四）第四部分：艺术内涵：主题与意义
该部分聚焦艺术作品的 “内容”—— 预期功能与意义，共 7 篇论文，涵盖图像学、不同主题类型的艺术创作。
图像学：马克・朱克（Mark Zucker）的《文艺复兴与巴洛克艺术中的图像学》，概述主题范围的扩展与等级体系，分析不同地域偏好的主题差异（如意大利偏好戏剧隐喻、古典裸体与神话叙事，北欧则主导风俗画、风景画与静物画）。
主题类型研究：劳伦斯・O・戈德德（Lawrence O. Goedde）的《文艺复兴时期的风景画》，全面梳理欧洲风景画（及版画风景）的演变，指出风景画虽减少对人物的聚焦，但仍与人类在自然中的位置紧密相关；托马斯・马丁（Thomas Martin）的《文艺复兴艺术中的裸体形象》，将裸体视为区分文艺复兴艺术与中世纪图像的重要标志，探讨其写实性演变、出现场景及象征意义；韦恩・弗兰茨（Wayne Franits）的《17 世纪欧洲的风俗画》，提出风俗画虽以写实著称，实则是融合事实与虚构的巧妙创作，且与当代社会发展相关；乔安娜・伍兹 - 马斯登（Joanna Woods-Marsden）的《1400-1650 年欧洲肖像画的意义》，以意大利与荷兰肖像画为核心，结合宗教、哲学与政治背景分析肖像画意义，探讨肖像画类型（单人、双人、群像）及性别差异与接受度问题；英格・杰克逊・赖斯特（Inge Jackson Reist）的《世间皆舞台：早期现代意大利的戏剧隐喻》，追溯 “世间皆舞台” 这一隐喻在绘画、别墅建筑、文学与哲学中的演变；马库斯・B・伯克（Marcus B. Burke）的《1550-1700 年特伦托时代伊比利亚与西班牙艺术中的强度与正统性》，探讨特伦托会议后宗教改革对伊比利亚及西班牙宗教艺术的影响，体现天主教会的全球传教目标。
（五）第五部分：观者、评论者与历史学家：作为文化话语的接受与解读
该部分聚焦理论与史学视角，探讨 16 世纪至今人们对早期现代艺术的评论回应，共 6 篇论文，涵盖北欧、意大利、法国及建筑领域。
地域艺术史学：杰弗里・奇普斯・史密斯（Jeffrey Chipps Smith）的《北欧艺术史学家：从约翰・纽多费尔、卡雷尔・范・曼德到伦勃朗研究项目》，梳理 15 世纪至今对德国与尼德兰艺术的研究，分析艺术史叙事的发展、传记研究方法的演变及学术与民族精神的关联；大卫・卡斯特（David Cast）的《意大利的艺术传记：从瓦萨里到马尔瓦西亚》，探讨 1550 年乔治・瓦萨里开创的系统性艺术史，分析其受政治、宗教与佛罗伦萨爱国主义影响的传记写作模式及后世学者的拓展。
艺术理论与建筑：约瑟夫・C・福特（Joseph C. Forte）的《1600-1643 年法国绘画与理论：以西蒙・武埃与尼古拉・普桑为例》，聚焦 17 世纪法国艺术评论辩论，分析普桑与武埃分别代表的 “面向精英的学术经典艺术” 与 “面向大众的直观艺术” 之间的对立；尼尔・阿特金森（Niall Atkinson）的《意大利广场：从哥特式附录到巴洛克剧场》，考察早期现代欧洲城市中心公共空间 “广场”，探讨其艺术设计、理论文本与史学之间的关系，及广场如何随时间演变服务于多种理论、政治与社会目标；卡罗琳・耶克斯（Carolyn Yerkes）的《建筑的理论与实践：文艺复兴时期的建筑写作》，追溯印刷术对建筑艺术的影响，分析带插图的建筑论著如何传播古典建筑规范，推动建筑从传统工艺向有意识的知识型职业转变。