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如果有人问我，为什么一个以写诗和哲学著称的文人，会花费大量笔墨去描写画家们的创作世界，我想瓦莱里会这样回答你：因为“完成的作品”对他而言是死的，而只有创作过程本身才是活的。这位二十世纪法国文坛的巨匠，在这部收录于全集第十二卷的文集中，向我们展现了他独特的艺术观照方式。他关注的从来不是某幅画作的市场价格或艺术史地位，而是那些隐藏在作品背后的思维轨迹——艺术家在画布前如何思考，如何抉择，如何将混沌的灵感转化为具体的线条与色块。德加的舞者、马奈的光影、莫里索的温柔，这些名字在瓦莱里笔下不再是单纯的评论对象，而是他用以探讨“艺术创作究竟是怎么回事”这一根本问题的切入点。全书分为几个部分，从对德加舞绘系列作品的细腻分析开始，瓦莱里带领读者进入那位晚年几乎失明却依然坚持作画的倔强画家的世界，探讨素描的本质、身体的运动与绘画之间的神秘关联。他写马奈，不去分析那些如今价值连城的画面究竟好在哪里，而是追问一个画家如何能够如此果断地“看见”与“省略”；他写莫里索，则带着一种亲切的回忆感，因为莫里索曾是印象派圈子里的重要人物，与瓦莱里有过来往。当然，这本书的容量远不止于这三位画家，书中还涉及雷诺阿、科罗、杜米埃等众多十九世纪法国艺术大师，以及关于艺术本质、博物馆功能、肖像画与裸体画等话题的随感。瓦莱里的写作风格疏朗而充满思辨性，他善于从一个独特的角度切入，然后层层递进，最终触及某些关于美与创造力的根本性问题。他坦言自己并非专业的艺术评论家，不会给你一幅画的构图技巧或色彩搭配的分析，但他的文字会让你对“艺术家到底在做什么”这件事产生全新的理解。这部文集最初于1960年由Pantheon Books出版，是“博林根丛书”的一部分，中文译者为大卫·保罗，道格拉斯·库珀撰写了导言。对于那些既热爱文学又对视觉艺术感兴趣的读者来说，这本书提供了一种稀有的阅读体验——它不是艺术史的补充读物，而是一位杰出头脑对艺术创造活动的哲学性沉思。